PORTOBELLO, mensonge fait loi.

 

C'est une histoire vraie, une véritable histoire de dingues, avec de vrais salauds et une véritable victime comme seul la fiction peut nous en inventer. En 1980, un célèbre présentateur télé d'une émission de divertissement à succès intitulé Portobello, un certain Enzo Tortora, se retrouva sur une liste de plus de 80 mafieux dénoncés par un "repenti" de la Camorra, Giovanni Pandico.

Enzo Tortora était un genre de Guy Lux transalpin, un peu vieux beau, un peu intello, très impliqué dans la vie politique italienne et qui sera même un temps député européen. Giovanni Pandico ne faisait pas à proprement parler de l'organigramme de la Mafia, mais était devenu très proche du "parrain" Cutolo en prison, pour qui il tenait la correspondance (Cutolo était analphabète malgré son surnom de "Professeur", tout un monde...). Il était condamné à perpétuité pour un massacre commis dans un bureau de Poste. Il était formidablement cultivé, écrivait des poèmes, il était aussi schizophrène, paranoïaque et mythomane.

Portobello était lui un très beau perroquet, mascotte de l'émission que les candidats devaient "faire chanter" pour remporter le jackpot. Un jeu complètement idiot mais que les membres de la Camorra connaissaient par coeur. Faire chanter, répéter les mensonges comme des perroquets en regardant les juges droit dans les yeux, c'était leur art de vivre.

Que le très politique Marco Bellocchio se soit attaché à relater cette histoire n'a rien de surprenant, car on retrouve dans PORTOBELLO toutes ses préoccupations, de la politique italienne des années Aldo Moro, qu'il a tant filmé, aux gouffres de la psyché italienne qu'il passe au radar de son autre "dada", la psychanalyse. Un peu filou sur les bords, il fait même jouer la compagne de Tortora (Fabrizio Gifuni, son acteur fétiche) par  Romana Maggiora Vergano qui pourrait être sa fille, et qui l'était justement dans le beau film de Francesca Comencini, PRIMA LA VITA.

PORTOBELLO relate donc dans le détail le calvaire vécu par cet homme face à un prétendu "faisceau de preuves" qui n'en seront jamais, uniquement apportées par des types dont les métiers étaient le meurtre, la corruption et le mensonge. Impitoyable dans sa démonstration, les journalistes ne sont que des hyènes, les mafieux de vrais  chacals puant et les juges, - mon Dieu, les juges... - des incapables de première main, fermés à toute tentative de se remettre en cause.

Le film (oui d'accord c'est une mini-série, mais pour moi c'est un film de 5 heures environ) vous laisse ressentir sur la durée le calvaire vécu par Tortora. C'est un véritable film de procès, avec des détails sur la procédure transalpine assez effarants, parfois (mais à quoi servent donc ces deux brillants avocats, toujours tenus à l'écart ?) et, voilà qui nous rassure donc, la justice française n'est pas la seule à être administrée par les Pieds Nickelés.

PORTOBELLO est savoureux pour ces pas-de-côté, lors de séquences de rêves ou des incursions dans le quotidien des "repentis" qui trouvent des astuces pour se sortir de l'ennui. A ce titre, le personnage effarant, et effrayant du pas possible Pandico, ce malade mental onctueux et mortifère, campé par un Lino Musella au faciès étonnant, est vraiment un personnage inoubliable.

Un des grands films de ce mois d'octobre passe donc à la télé, il est sur Arte en ce moment, ne le ratez pas.

NOTRE SALUT, et à très bientôt !...

 

C'est à presque 50 ans que Henri Marre, intellectuel en recherche de reconnaissance, fauché et auteur d'un ouvrage de prospective économique intitulé NOTRE SALUT, se rend à Vichy en 1940, son livre sous le bras, afin d'obtenir un poste. L'économie, la dynamique du travail et de l'emploi, c'est son dada, son credo et en bon conservateur attaché aux valeurs de la France éternelle, il voit dans la déconfiture de son pays face à l'Allemagne une occasion rêvée de tout remettre à plat et pour cela, il voue au Maréchal une admiration, une fidélité et une confiance sans borne. Il sera haut fonctionnaire rattaché au gouvernement de Vichy et au ministère du travail, à Angoulême.

Voilà pour l'histoire, -vraie -, de l'arrière grand-père d'Emmanuel Marre qui est un jour tombé non seulement sur le fameux ouvrage en question (une sorte de traité libéral sur une politique de l'emploi basé, déjà, sur le "management" à grande échelle et du zéro chômage) mais surtout sur la correspondance de ces arrières grands parents de 1940 jusqu'à la Libération. 

C'est le coeur du film, son tempo, car ces lettres lues en voix-off par Sandrine Blancke nous offrent deux contrepoints. D'abord à l'"ascension" politique fastidieuse d'Henri, moqué ici et là par quelques supérieurs qui jugent cet autodidacte un peu trop "frais" pour les hautes responsabilités, ensuite et surtout à l'affection véritable qui existait entre sa femme et lui, au-delà du mépris que Paulette Marre entretenait pour l'arrivisme politique de son mari aussi bien que pour nombre de ses idées.

La silhouette un peu triste, un peu hésitante de Swann Arlaud dans le rôle, encore une fois impeccable, est une sorte d'indice de l'état d'esprit du bonhomme. Quand le film commence, dans une soirée mondaine où dandys, grands sceptiques, antisémites de la première heure ou ennemis déclarés du nazisme se jaugent et discutent dans un ballet de dupes et d'hypocrites enfumés, on devine que certains se demandent déjà où se faire une place dans ce panier de crabes, ou comment s'enfuir de là en donnant le change.

Mais pour Henri Marre, pétainiste de la première heure obnubilé par ses fringantes idées du tout-emploi qu'il va enfin pouvoir mettre en oeuvre, croit-il, nulle tergiversation avec sa conscience: il en sera.

Portrait précis d'un collabo ordinaire sur lequel affleure à peine la compassion de son descendant (il ne l'a jamais connu), on entendra beaucoup autour de NOTRE SALUT la fameuse ritournelle sur la "banalité du mal" mais bien plus que cela, il faudra parler de l'aveuglement de celui qui ne voulait pas voir les petits arrangements avec les Allemands (ces notes de frais d'essence et de transports d'"Israélites" vers des destinations inconnues qui embêtent le fonctionnaire sur un plan comptable, mais dont il ne voudra jamais voir les conséquences). Parce que ce n'était pas sa préoccupation, parce que cela n'avait rien à voir avec ses objectifs politiques.

Le film est fort dans ce qu'il reflète de notre époque, et avec la figure de ce parent lointain, Emmanuel Marre a retrouvé les racines profondes du fascisme comme de ce qui fabrique un collaborateur en puissance. Quand Henri Marre investit les anciens locaux de la CGT à Angoulême (alors interdit par Vichy), recouvrant les logos et les slogans par des portrait du Maréchal, son rêve lui apparait enfin au loin: dérégulariser le travail, obliger les chômeurs diplômés à occuper des postes sans qualification. Mais l'occupant se fichera de la courbe du chômage en France; ce sera aussi les STO, l'importation de main-d'oeuvre gratuite du Portugal, de Grèce ou d'Espagne (logés dans des campements construits à la hâte qui ont des airs de petit Auschwitz), toute chose qui foutront les grands rêves de Marre en l'air.

NOTRE SALUT est un grand film politique, qui se conclut même par un étrange dialogue entre le fonctionnaire en fuite et un enfant qui lui parle de son père, et de ce qu'il a vécu comme ouvrier. Le film ne plaira pas à tout le monde, je le vois mal passer sous les fourches caudines d'une certaine presse et de certains plateaux télé qui travaillent autant à nous faire craindre l'étranger qu'à nous vanter la valeur travail scandée par les patrons.

L'histoire est une grande roue qui tourne, qui tourne, et nous y revoilà.

NOTRE SALUT est un grand film tout court, un très grand film au style classique, posé, porté par une interprétation magistrale et des images qui oscillent entre des colorations grises où même les robes couleur pervenches ont des airs délavés. Quand le film s'autorise quelque espièglerie (une danse à la soirée du préfet sur la chanson POPCORN de Hot Butter), on se dit même qu'Emmanuel Marre est encore plus gonflé que ça. Bonnello avait aussi fait ce genre de choses dans son APPOLONIDE, et cela n'avait pas plu à tout le monde...

Plus encore, on reconnaitra dans quelques grandes scènes (la soirée cocktail du début, l'apéro improvisé entre Marre et le petit personnel), quelque chose d'un certain Pialat, Maurice. Ce qui n'est quand même pas un mince compliment.

LES ROCHES ROUGES, Coup de foudre.

 

Il y a le Bruno Dumont parpaillot, le Dumont naturaliste, un autre qui se moque comme de l'an 40 du politiquement correct et fait des blagues sur, et avec les handicapés, le chti amoureux du Nord, du cul et du franc-parler, l'ennemi juré de la maitrise du jeu des acteurs professionnels et de la redite, le Dumont qui fait peur au journaleux chargé de l'interviewer pour son dernier film, un type capable d'adapter Jeanne d'Arc version Peguy sur un mode heavy metal comme de faire du George Lucas dans les dunes de la Côte d'Opale avec Fabrice Luchini dans le rôle de Darth Vador... enfin quoi, ce cinéaste-là, il faudrait l'encadrer, le donner en exemple, le cloner si c'était possible car lorsqu'il en sort un, de film, qu'on aime ou qu'on n'aime pas, on en avale toujours son chewing-gum de travers.

Certes, son avant-dernier L'EMPIRE m'avait un peu lourdé, HADEWIJCH aussi, pour d'autres raisons. Mais il faut toujours se précipiter pour voir ses films, c'est jamais pareil et ça m'en bouche toujours un coin.

Coin coin.

Dans LES ROCHES ROUGES, exfiltré sur la Côte d'Azur pour le coup, des gamins en maillot de bain, moyenne d'âge 6 ans et demi, s'en paient une bonne tranche loin du regard des adultes. Naviguant en quads électriques, ils se rendent régulièrement aux Roches Rouges, d'où ils sautent en poussant des cris. C'est dangereux, c'est fou, mais déjà dans le délicieux RIDDLES OF FIRE de Weston Razooli sorti il y a deux-trois ans, des gamins laissés à eux-mêmes, lojn d'adultes absents et-ou défaillant, s'en payaient une aussi, sans se soucier du reste.

On retrouve dans le dernier Dumont cette même sensation de liberté, et de peur. Ceci n'a rien d'un film sur la prévention routière (mais nom de Dieu, le plus petit n'a que 5 ans, et voyez à quelle vitesse il roule !) encore moins sur les dangers de les laisser seuls: parfois Geo et ses copains s'arrêtent pour aller voir des sangliers sur le bord de la route ("C'est omnivore", lâche Geo, très content de connaitre le mot, lui qui baragouine le plus souvent, braille et fait des grimaces). A l'occasion, j'ai l'impression qu'ils ont même visité le coffre des bagnoles pour prendre des trucs bref, c'est pas très Laurent Nunez tout ça.

Les contrôleurs de la SNCF sont également absents, Geo et sa copine Eve filent vers Vintimille pour aller voir le grand-père de la petite, "fâché avec sa mère, elle dit qu'il est cinglé".

Il n'est pas cinglé, c'est un connard, un vieux con qui préfère jouer au tennis et parler à ses chiens qu'à sa petite-fille, aussi les petits se cassent, c'est aussi simple que ça.

Chez Dumont tout est simple, rien n'est compliqué. Il suffit de se mettre à hauteur d'enfant, ou d'handicapé, ou d'illuminé pour que l'univers se cale autour et devienne une réalité à laquelle on se fait. Le monde n'est pas anormal lorsqu'il est vu comme ça, il est juste vu autrement et c'est sans doute la force de tous les films de Bruno Dumont. Ils nous offrent des angles de vue jamais vus.

Quand les gamins sautent dans la Méditerranée, on saluera non seulement la beauté des images (filmé avec peu de moyens, on dirait même parfois au smartphone, LES ROCHES ROUGES offre des contrastes de couleurs assez époustouflant; Dumont possède toujours une maitrise de l'image assez unique) mais aussi la force d'une mise-en-scène qui colle vraiment des frayeurs: lorsque Geo grimpe tout en haut du rocher, tout seul, après avoir commis peut-être l'irréparable, le suspense prend aux tripes.

Qui pour se rappeler que Dumont est le signataire de la plus grande scène d'action du cinéma français d'aujourd'hui (l'accident de voiture de FRANCE avec Biolay au volant ) ? 

Produit au Portugal, peut-être fâché avec les financiers d'ici bas, on a l'impression avec ce film que Dumont, après les excès de L'EMPIRE, le petit bouillon  qu'il s'est pris au passage et la défiance qui a toujours été de mise à son encontre, a voulu prouver que rien ne l'arrêterait.

Qui pour filmer aussi bien un coup de foudre amoureux entre deux gamins de 5 et 6 ans ? Cherchez bien: Bruno Dumont est unique.

Coup de foudre.

HISTOIRES DE LA NUIT, Une autre histoire de la violence.

 HISTOIRES DE LA NUIT jette un froid sur la douce quiétude du cinéma français et c'est cette première constatation qui prime: on ne voit pas souvent de film comme ça de par chez nous. Cela couvait pas mal sous la cendre des précédents films de Léa Mysius, y compris ceux qu'elle a pu écrire pour d'autres. Voilà une jeune femme qui n'a pas froid aux yeux. Une de plus.

Son dernier film est donc l'adaptation d'un roman de Laurent Mauvignier que je n'ai pas lu et que je devine, pour en avoir lu d'autres de lui, moins littéral et plus en disgressions que l'adaptation qui en est faite. Voici donc une histoire qui débute par l'intrusion de trois hommes (Magimel, Paul Hamy et Alane Delhaye) chez un jeune couple installé dans un bourg perdu du fin fond de nulle part. Une longue nuit commence alors, durant laquelle les intentions des envahisseurs se font de plus en plus précises.

Je ne dévoilerai rien de ce qui s'ensuit, mais sachez qu'il est rare qu'un film français avec pareil panel de comédiens déverse un tel déchainement de violence. Plus psychologique que physique d'ailleurs, les éclaboussures n'en étant que plus marquantes. C'est d'ailleurs par quelques effets de style bien vus que Léa Mysius réussit le mieux son coup: sur une toile de peinture sombre tâchée ici, rouge sur fond noir, d'un corps baignant dans une auréole sanglante (hello le Dragon Rouge !) ou encore un long travelling avant somptueux, en images de synthèses 3D et noir et blanc pour sombrer de l'imaginaire abimée d'un des "occupants" (campé par l'excellent Alane Delhaye, vu tout gamin dans plusieurs films ch'ti de Bruno Dumont) vers celui de tous les autres.

On a beaucoup comparé le film, qui n'a pas forcément plu à tout le monde, au fameux FUNNY GAMES de Haneke, un des films les plus éprouvant du monde. HISTOIRES DE LA NUIT ne possède pas forcément ce penchant théorique à désosser les rouages de la violence comme le faisait le cinéaste autrichien, en forçant le spectacle vers un déchainement de sauvagerie et de sadisme rarement vu pour mieux accuser la place du voyeur qui était la notre. 

Non, le film de Mysius s'apparenterait plutôt à un bombardement en règle du microcosme familial (les envahisseurs sont venus pour déranger ce bel ordre établi), dont l'un des éléments des plus significatifs est sans doute le personnage de Cristina, la voisine (Monica Bellucci, comme rarement vue), artiste solitaire qui, de son propre aveu, a saccagé sa propre vie amoureuse et familiale par égoïsme. Et de là comprendrons-nous mieux les sentiments ambivalents, voire hostiles et dont elle ne se cache pas, pour Nora (Hafsia Herzi), cette mère de famille "exemplaire".

Pas beaucoup d'innocents dans ce film et peu de dupes si ce n'est la petite fille de Nora et Thomas, au coeur de la seconde partie du film, et enjeu d'une lutte fatale.

Le film a sans doute un jumeau anglo-saxon, A HISTORY OF VIOLENCE de Cronenberg, dans lequel le passé soudain révélé d'un brave pater familias bien sous tous rapports remontait à la surface dans un déferlement d'hémoglobine. Personne ici n'est épargné, pas même le gentil Thomas avec sa gentille fête d'anniversaire, qui lui aussi a ses petits secrets.

Si je n'ai pas réussi à voir ces HISTOIRES DE LA NUIT comme autre chose qu'un excellent film noir, c'est déjà beaucoup. A la maitrise très inspirée de ce huis-clos qui fait très vite transpirer, au tranchant de la mise-en-scène qui montre combien Léa Mysius a pris de l'altitude par rapport à ses films précédents déjà marqués par la noirceur et des figures féminines tout sauf angéliques, il faut tout de même parler de la tenue de très haut vol des interprètes. 

De cette gamine (Tawba El Gharchi) au regard difficile à oublier, jusqu'au trop rare Paul Hamy, crispant en mec onctueux et violent, en passant par un Magimel de plus en plus excellent, toutes et tous portent le film très haut.

Simple exercice de style ou autopsie du mirage de la vie de famille, peu importe: voilà enfin un thriller made in France qui s'assume et ne prend pas de gants.

Notices en vrac (XIII) L'AFFAIRE NEVENKA, VIOLATION & THE BATMAN

Double programme #metoo today, avec tout d'abord le film de l'espagnole Iciar Bollain sur un procès qui fit grand bruit dans les années 90 et qui fut la première affaire où un homme politique fut reconnu coupable de harcèlement moral et sexuel sur une de ses jeunes assistantes. Gros succès en Espagne, L'AFFAIRE NEVENKA  est bien un film tel que je me l'imaginais, sans grande originalité et c'est un peu pour cela que je ne m'étais pas précipité pour le voir en salle.

A l'arrivée, et même si on croit pas un instant que le procès s'est déroulé tel que décrit (en gros, un procureur qui s'acharne tellement sur Nevenka qu'il offre lui même la parfaite illustration de ce qu'est le harcèlement, un peu simple), le film d'Iciar Bollain tient son sujet jusqu'au bout, et je me suis surpris à me prendre quelques suées, quand même. Sorte de Gilles Lellouche de là-bas (même sourire de commande et petits yeux noirs sans expression), Urko Olazabal fait très bien le job: on a vraiment envie qu'il crève dans le premier virage.

Par contre, c'est la première fois sans doute qu'est aussi bien décrit le long processus de destruction mentale inhérent à toute entreprise de harcèlement. Ne laissant rien au hasard, et surtout pas le moindre doute sur les intentions nauséabondes du bonhomme, acharné à faire perdre les pédales à cette jeune femme, le film détaille ce long travail de sape et comment on peut s'en sortir face à un type qui a le bras très long, et une mauvaise foi monumentale en bandoulière.Bien sûr, en Espagne on fait aussi bien que chez nous: après s'être pris une condamnation et un temps d'inéligibilité,  monsieur le Maire est remonté en selle des années plus tard. C'est aussi à ça qu'on les reconnait.

VIOLATION, c'est autre chose. Zyeuté par hasard sur une plateforme dédiée au cinéma crado, il nous emmène faire un petit tour dans un chouette chalet auprès d'un lac (c'est beau le Canada, c'est bien vert) et dans la tête de Myriam (Madeleine Sims-Fewer également co-réalisatrice avec Dusty Mancinelli), en pleine crise conjugale et qui se fait sauter dans son demi-sommeil par son beau-frère, près du feu de camp.

L'idée ne lui a pas plus autant que ça et même si elle réalise que le gentil Dylan croyait bien faire et a l'air franchement étonné de sa réaction, on ne va pas en rester là.

VIOLATION fait un peu de chiqué avec ses flash-backs pas toujours judicieux et quelques séquences un peu trop étirées. Pour qui a vu quelques I SPIT ON YOUR GRAVE, on va dire que VIOLATION nous refait le coup de la douce vengeance version moins trash, moins sadique, mais quand même. Si les violeurs de la franchise sus-citée méritaient ce qui leur arrivait, dans un exténuant carnaval de tortures et de violences plus ou moins raffinées, ici c'est l'organisation de Myriam dans son projet qui est saisissant, même si sa réaction demeure quand même.... disproportionnée..

Ne laissant rien au hasard (sacs plastique, ruban adhésif, treuil fixé au plafond, pâte à bois pour tout reboucher, scie à main, cocottes minute, glacière avec robinet d'écoulement, perruque mais quelle organisation !), voyez voir comment Myriam la vénère s'y prend: c'est pas du travail de bonne femme ! Passé ce petit kif sadique qu'on pourra toujours imaginer comme appartenant à l'imagination de son héroïne, reste un film assez curieux, plutôt raté dans son ensemble (un film de 50 minutes aurait suffi) mais porté par le calme refroidissant de la nana.

Maintenant les mecs, laissez vos bijoux de famille dans votre slip, sinon je vous envoie Myriam.

On termine sur une ânerie, une de plus à mettre au palmarès de l'écurie DC Comics avec cet énième rebouturage du héros masqué de Gotham City avec Robert Pattinson dans le rôle. Il a l'air de s'ennuyer, le pauvre, mais bon, la bouffe à la cantine devait être bonne. Matt Reeves aime les grosses cylindrées pleines d'explosion et les grandes orgues qui grondent, et il a mis des vedettes un peu partout (oh! c'est Machin qui fait Truc, oh t'as vu, y a Machine en...) Bon.

Personne ne coule le vaisseau, chacun prend sa part et fait le boulot, mais quel intérêt pour des grands comédiens comme Turturro ou Colin Farrell de jouer dans ce truc ? La bouffe de la cantine, oui je sais.

THE BATMAN a juste pour lui, quand même, de faire simple dans le scénario, donnant des accents de film noir, presque de "remake" de LA MOISSON ROUGE de Hammett puisque le grand méchant du film reste la corruption. Disons qu'après les vilains navets de Snyder avec cette patate de Ben Affleck en justicier masqué, les meringues de Nolan et plein d'autres qu'on souhaiterait n'avoir jamais vu, les BATMAN de Tim Burton malgré le petit coup de vieux qu'ils se sont pris, restent les meilleurs. Et puis toujours personne pour arriver à la botte de Michelle Pfeiffer en Catwoman feulante et tarée, fantasme S.M. à jamais gravé dans ma libido adolescente.

Miaou. 

 

BLOODY MAMA, maman gros bobos.

 Parmi les presque 500 films que le mythique Roger Corman produisit au long de sa fructueuse carrière, il en est une petite cinquantaine qu'il réalisa lui-même. Rapiat notoire, partisan du système D. et des économies de bout de ficelle, notre bonhomme découvrit moults talents, devant et derrière la caméra, une liste tellement longue qu'elle recoupe quasiment tous les grands noms du cinéma américains éclos entre la fin des années 50 et les années 80.

Son dada, c'était les adaptations d'Edgar Poe, les loups-garous, les vampires, les reboot approximatifs de Frankenstein, les westerns à un seul décor ou encore les films avec course de bagnoles. Il n'a pas fait que des bouses, loin de là, mais il en a fait beaucoup... Tout comme sa boite de production avait surfé sur la vague EASY RIDER en sortant un nombre invraisemblable de films à motards discount, il a aussi pas mal abusé de la vague BONNIE AND CLYDE en produisant beaucoup de films de gangsters durant la grande Dépression.

Parmi eux, il tourna lui-même ce BLOODY MAMA, un rien plus sophistiqué et moins fauché que ses autres films, notamment grâce à cette sacrée Shelley Winters qui, sa gloire passée mais pas encore tout à fait oubliée et entre deux cachetons pour des seconds rôles dans des films catastrophes ou des séries télé, s'était proposée toute seule comme une grande pour jouer cette fameuse Kate "Ma" Barker, matriarche un brin psychopathe qui a bel et bien existé, et avait élevé ces quatre grands garçons dans le respect du vol, du viol, du meurtre et du racket. Le cinéma (et les productions de Corman surtout) se sont beaucoup inspiré de cette figure sauvage du grand rêve américain retourné comme un gant. Le groupe Boney M. aussi, qui en fera un hit disco qu'on fredonne encore.

En échange d'un cachet qu'on devine dérisoire (Corman était dur en affaire, c'est rien de le dire), elle avait tenu à amener avec elle cinq acteurs de l'Actor's Studio qu'elle fréquentait beaucoup et dont elle appréciait le travail: Don Stroud, Robert de Niro, Clint Kimbrough, Robert Walden et Bruce Dern, rien que ça, ce dernier incarnant le béguin homo d'un des frères rencontré en prison, et que Ma Barker se tapera au passage (parce qu'elle en a envie, c'est elle qui décide).

Entre deux volées de solo de banjo, il y aura des braquages à la mitraillette, des prises d'otages originales (coller des mémés aux portières de la voiture après un casse, pour pas qu'on leur tire dessus), un kidnapping avec demande de rançon, des vols qui tournent mal, des petits tours en prison, des impromptus malencontreux (Lloyd, le fiston un peu faible d'esprit accro à l'aiguille qui viole une jeune fille qu'il faut liquider).

Sorti en 1970, BLOODY MAMA n'a rien perdu de son jus et Corman savait battre le rythme à la bonne mesure, quand il le voulait bien. Ce qui est toujours aussi perturbant, c'est à quel point les perles d'immoralité et de provocation aux bonnes moeurs font toujours mouche. Entre l'homosexualité sans complexe, les sous-entendus sexuels permanents, l'ambiance continuelle d'inceste consommée sans modération et la violence radicale de cette patriarche dégénérée, il y a tout de même ce moment presque émouvant où les garçons trouvent, dans le riche homme d'affaire kidnappé (campé par Pat Hingle), une figure paternelle de rechange, personne morale, droite et rassurante qui tourneboule complètement leurs valeurs (mais pas celles de leur Mama, constamment dépravées).

Bien sûr, c'est parfois assez cheap. On fermera donc les yeux sur la fusillade finale, assez drôle au demeurant (avec ces badauds qui s'arrêtent pas loin pour apprécier le spectacle) et sur l'alligator géant en plastoc, mais BLOODY MAMA est un film qui pique toujours, grâce notamment à une Shelley Winters sortie des flammes de l'enfer.

C'est une rareté à ne pas manquer, si vous en avez l'occasion (et pas froid aux yeux).

Notices en vrac (XII) TOUCH - NOS ETREINTES PASSEES, DOSSIER 137 & JEUX D'ENFANTS

 

Baltasar Kormakur, cinéaste islandais passé par tous les genres et tous les styles depuis sa découverte en 2006 avec son excellente adaptation d'Indridason, JAR CITY, a depuis fait un peu tout et n'importe quoi une fois adopté par Hollywood. Retour chez lui, du moins au début du film avec TOUCH, romance rétro qui se passe dans le Londres de la fin des années 60. On y fait la connaissance de Kristofer, grande perche islandaise d'étudiant en économie qui décide de plaquer ses études emmerdantes pour, sur un coup de tête, se faire embaucher dans un restaurant japonais. Il y rencontre Miko, la fille du patron. Coup de foudre, et ça n'est rien de le dire.

Que le film soit construit sur un flash-back (Kristofer en veuf à la retraite retournant à Londres, puis au Japon pour y retrouver le grand amour de sa vie) ou encore que le scénario nous garde au chaud un secret de famille lourd comme une enclume pour expliquer pourquoi ces deux-là se sont perdus de vue n'est pas grand chose au regard de la force de cette histoire d'amour.

Certes, Egil Olafsson et Koki sont tous les deux jolis comme des coeurs et dégagent un charme des plus affriolant et le réalisateur n'y va pas de main morte pour battre le rappel du pop-spirit de ces années-là. On y entend les plus doux morceaux de Lennon, des Zombies ou encore de Nick Drake et ça, c'est déjà chouette comme tout.

Alors d'où vient que cette love-story nous berce plus franchement qu'aucune autre, malgré un noeud scénaristique qui n'y va guère de main morte (Hiroshima et tout ça...) ? Grâce sans doute aux non-dits des rapports entre Kristofer et sa belle-fille, qui se règlent (mal) par téléphone, grâce à l'attention portée à la langue japonaise par ce vieil homme toujours amoureux, et à l'attention portée à cet étranger qui s'obstine à bien parler la langue. Quelque chose comme une recherche permanente d'empathie envers ce qui nous est si loin, si proche.

Touché !

Si chez Kormakur le drame historique est comme le lapin blotti tout au fond de son terrier, c'est plutôt l'intime, à l'inverse, qui se cache dans DOSSIER 137, le dernier film de Dominik Moll. Le cinéaste belge signe là un véritable film-dossier sur un sujet qui fâche: les violences policières en marge des manifestations des gilets jaunes.

En prenant carrément une enquête officielle de l'IGPN sous le bras, Moll s'avance comme son inspectrice principale, Léa Drucker, avec des airs de parfaite neutralité très professionnelle sur la figure. Ses convictions intimes, sa conscience, sa morale, il faudra voir cela plus tard: enquêtons.

Le dossier 137 a beau s'avérer un véritable dossier à charge contre la police (ici, deux tirs de LBD en pleine tête à 15 mètres de distance sans qu'il y ait menace, une fracture de la boite crânienne, un petit coup de latte en passant et aucune assistance demandée; une sorte de cas d'école), on trouve que la fliquette met longtemps avant de prendre en compte l'évidence.

Et pourtant lorsqu'elle le fait, pas si lentement d'ailleurs, c'est tout le système qui se referme sur elle pour lui faire comprendre qu'on ne dérange pas l'ordre policier comme on veut. Ces collègues s'offusquent qu'on s'en prenne ainsi à ces "héros" qui n'en peuvent plus, les témoins s'offusquent qu'on puisse leur faire croire qu'un témoignage ou une plainte puisse aboutir, sans même croire que cela ne leur retombe dessus. Quant à la hiérarchie, n'en parlons même pas.

Alors que reste-t-il à la commissaire Bertrand après qu'on lui ai bien dit, et redit, au feutre rouge surligné quatre fois, que le système était pourri d'un côté, que la police était irréprochable de l'autre ? La consolation d'un grand fils qui s'inquiète pour elle, et le réconfort d'un petit chat ramassé perdu derrière une grille de parking.

C'est Souchon qui chantait ça: "c'est déjà ça, c'est déjà ça..." Après, police partout, justice où vous savez. On ne sait pas trop si Dominik Moll a changé notre point de vue sur quoi que ce soit mais, c'est une habitude chez lui, il signe un film honnête.

Et un film estonien, ça vous dit ? Arte Kino a le chic de nous sortir des métrages improbables, et parfois complètement oubliés, au gré de la restauration de certaines oeuvres faites par des instituts ou des cinémathèques partout en Europe. JEUX D'ENFANTS d'Arvo Iho et Leida Laius date de 1985 et nous projette dans le quotidien d'un orphelinat.

Des gamins de tous âges, et quelques uns à l'orée de la majorité y trainent leurs ennuis, leurs sentiments d'injustice autant qu'une insondable tristesse. Vu le cadre de vie, peu reluisant, on se dit qu'on part d'emblée vers un film à la Alan Clarck (genre SCUM, ce trauma, sur les instituts pour mineurs "fermés") même si le début laisse présager le pire: Mari s'échappe pour retrouver son père, alcoolo lamentable, se retrouve à la rue puis en prison après avoir échappé à une agression.

De retour dans cet orphelinat, JEUX D'ENFANTS tournera plus autour des amours de cette jeune femme, romantique mais pas dupe, tiraillée entre un gaillard assez rassurant et un petit voyou tout excité mais aux intentions touchantes. Certes, il y a quelques séquences cruelles lorsqu'une camarade lit à voix haute son journal intime, ou lorsqu'on enferme une pauvre gamine dans le sèche-linge pour lui faire avouer un vol, mais dans un cadre aussi délabré, peu propice aux grands sentiments, le film trouve une autre note, touchante, en faisant de la si fragile Mari une sorte de résistante, qui possède maintenant toutes les armes pour voler de ses propres, et savoir ne plus s'appuyer sur personne d'autre qu'elle-même.

Le film a beau avoir quelques côtés brouillon (des prises de son assez étranges parfois, par exemple), il finit par presque en être joyeux, se contentant des quelques rayons de soleil qui percent dans toute cette laideur.