Notices en vrac (XII) TOUCH - NOS ETREINTES PASSEES, DOSSIER 137 & JEUX D'ENFANTS

 

Baltasar Kormakur, cinéaste islandais passé par tous les genres et tous les styles depuis sa découverte en 2006 avec son excellente adaptation d'Indridason, JAR CITY, a depuis fait un peu tout et n'importe quoi une fois adopté par Hollywood. Retour chez lui, du moins au début du film avec TOUCH, romance rétro qui se passe dans le Londres de la fin des années 60. On y fait la connaissance de Kristofer, grande perche islandaise d'étudiant en économie qui décide de plaquer ses études emmerdantes pour, sur un coup de tête, se faire embaucher dans un restaurant japonais. Il y rencontre Miko, la fille du patron. Coup de foudre, et ça n'est rien de le dire.

Que le film soit construit sur un flash-back (Kristofer en veuf à la retraite retournant à Londres, puis au Japon pour y retrouver le grand amour de sa vie) ou encore que le scénario nous garde au chaud un secret de famille lourd comme une enclume pour expliquer pourquoi ces deux-là se sont perdus de vue n'est pas grand chose au regard de la force de cette histoire d'amour.

Certes, Egil Olafsson et Koki sont tous les deux jolis comme des coeurs et dégagent un charme des plus affriolant et le réalisateur n'y va pas de main morte pour battre le rappel du pop-spirit de ces années-là. On y entend les plus doux morceaux de Lennon, des Zombies ou encore de Nick Drake et ça, c'est déjà chouette comme tout.

Alors d'où vient que cette love-story nous berce plus franchement qu'aucune autre, malgré un noeud scénaristique qui n'y va guère de main morte (Hiroshima et tout ça...) ? Grâce sans doute aux non-dits des rapports entre Kristofer et sa belle-fille, qui se règlent (mal) par téléphone, grâce à l'attention portée à la langue japonaise par ce vieil homme toujours amoureux, et à l'attention portée à cet étranger qui s'obstine à bien parler la langue. Quelque chose comme une recherche permanente d'empathie envers ce qui nous est si loin, si proche.

Touché !

Si chez Kormakur le drame historique est comme le lapin blotti tout au fond de son terrier, c'est plutôt l'intime, à l'inverse, qui se cache dans DOSSIER 137, le dernier film de Dominik Moll. Le cinéaste belge signe là un véritable film-dossier sur un sujet qui fâche: les violences policières en marge des manifestations des gilets jaunes.

En prenant carrément une enquête officielle de l'IGPN sous le bras, Moll s'avance comme son inspectrice principale, Léa Drucker, avec des airs de parfaite neutralité très professionnelle sur la figure. Ses convictions intimes, sa conscience, sa morale, il faudra voir cela plus tard: enquêtons.

Le dossier 137 a beau s'avérer un véritable dossier à charge contre la police (ici, deux tirs de LBD en pleine tête à 15 mètres de distance sans qu'il y ait menace, une fracture de la boite crânienne, un petit coup de latte en passant et aucune assistance demandée; une sorte de cas d'école), on trouve que la fliquette met longtemps avant de prendre en compte l'évidence.

Et pourtant lorsqu'elle le fait, pas si lentement d'ailleurs, c'est tout le système qui se referme sur elle pour lui faire comprendre qu'on ne dérange pas l'ordre policier comme on veut. Ces collègues s'offusquent qu'on s'en prenne ainsi à ces "héros" qui n'en peuvent plus, les témoins s'offusquent qu'on puisse leur faire croire qu'un témoignage ou une plainte puisse aboutir, sans même croire que cela ne leur retombe dessus. Quant à la hiérarchie, n'en parlons même pas.

Alors que reste-t-il à la commissaire Bertrand après qu'on lui ai bien dit, et redit, au feutre rouge surligné quatre fois, que le système était pourri d'un côté, que la police était irréprochable de l'autre ? La consolation d'un grand fils qui s'inquiète pour elle, et le réconfort d'un petit chat ramassé perdu derrière une grille de parking.

C'est Souchon qui chantait ça: "c'est déjà ça, c'est déjà ça..." Après, police partout, justice où vous savez. On ne sait pas trop si Dominik Moll a changé notre point de vue sur quoi que ce soit mais, c'est une habitude chez lui, il signe un film honnête.

Et un film estonien, ça vous dit ? Arte Kino a le chic de nous sortir des métrages improbables, et parfois complètement oubliés, au gré de la restauration de certaines oeuvres faites par des instituts ou des cinémathèques partout en Europe. JEUX D'ENFANTS d'Arvo Iho et Leida Laius date de 1985 et nous projette dans le quotidien d'un orphelinat.

Des gamins de tous âges, et quelques uns à l'orée de la majorité y trainent leurs ennuis, leurs sentiments d'injustice autant qu'une insondable tristesse. Vu le cadre de vie, peu reluisant, on se dit qu'on part d'emblée vers un film à la Alan Clarck (genre SCUM, ce trauma, sur les instituts pour mineurs "fermés") même si le début laisse présager le pire: Mari s'échappe pour retrouver son père, alcoolo lamentable, se retrouve à la rue puis en prison après avoir échappé à une agression.

De retour dans cet orphelinat, JEUX D'ENFANTS tournera plus autour des amours de cette jeune femme, romantique mais pas dupe, tiraillée entre un gaillard assez rassurant et un petit voyou tout excité mais aux intentions touchantes. Certes, il y a quelques séquences cruelles lorsqu'une camarade lit à voix haute son journal intime, ou lorsqu'on enferme une pauvre gamine dans le sèche-linge pour lui faire avouer un vol, mais dans un cadre aussi délabré, peu propice aux grands sentiments, le film trouve une autre note, touchante, en faisant de la si fragile Mari une sorte de résistante, qui possède maintenant toutes les armes pour voler de ses propres, et savoir ne plus s'appuyer sur personne d'autre qu'elle-même.

Le film a beau avoir quelques côtés brouillon (des prises de son assez étranges parfois, par exemple), il finit par presque en être joyeux, se contentant des quelques rayons de soleil qui percent dans toute cette laideur.

Notices en vrac (XI) MOI TONYA, RUNNING MAN, MAYDAY

 

L'histoire est assez célèbre pour être tenté d'en faire en film, voici le destin lamentable de Tonya Harding, cette patineuse sur glace que de bons "amis" à elle ont voulu aider en brisant le genou de sa plus redoutable adversaire. Dans le détail, cette affaire est si grotesque que MOI, TONYA a parfois des allures de mauvaise blague signée Coen brothers: petit copain très amoureux mais pas très futefute (Sebastian Stan, déjà très bon), bande d'amis peu recommandables, coach un peu timide et surtout, surtout, une mère horrible dont la vie ratée et la méchanceté crasse se cache à peine derrière la fumée de ses cigarillos qui puent et d'impressionnantes lunettes à double foyer (la géniale Allison Janney, grande actrice de second plan ici absolument terrifiante).

Cela pourrait être aussi, bien sûr, une fable supplémentaire sur la course au succès à tout prix, une anti-success story de plus autour de l'infantilisme décourageant de ces Américains qui, lorsqu'ils ne pensent pas qu'à l'argent, rêvent au moins de gloire.

Le style de filmage et de montage de Craig Gillepsie lorgne beaucoup sur le style GOOD FELLAS, avec des protagonistes qui, par exemple, parlent à la caméra durant les scènes de procès, ou lorsque l'on suit à la steadycam le nervis bas du front chargé de péter une jambe dans les entrailles du gymnase.

On ne dira jamais assez, par ailleurs, combien les tics et les tocs des Coen, de Scorsese ou de Tarantino ont trop infusé dans le cinéma américain ces dernières décennies.

Le film a déjà presque 10 ans, et les particularités communes au récent MARTY SUPREME du frangin Safdie sautent aux yeux à maintes reprises. Il vaut surtout pour l'abattage déjà impressionnant de Margot "Barbie" Robbie, excellente dans la hargne comme dans sa grâce de patineuse, et pour la description en creux d'un sport qui ne veut absolument pas à son sommet de ce genre de pauvresse "white trash" qui laisse du rouge à lèvres sur ses mégots.

On se souvient alors de la pauvre Surya Bonaly à qui les jurys du monde du patinage ont fait payer la couleur de peau. Derrière la beauté, la laideur d'un triste milieu. Le film est pêchu, et traversé tout du long par une ironie assassine qui fait plaisir.

RUNNING MAN de ce petit malin d'Edgar Wright reboote, reprend, slampe le vieux machin avec Schwarzenegger lui-même inspiré d'un roman du King (Stephen), qui ressemblait beaucoup à une nouvelle quasi contemporaine de Robert Sheckley qu'adapta Yves Boisset pour LE PRIX DU DANGER. Vous suivez ?

Vous connaissez l'histoire: un pov' père de famille fauché comme les blés décide de s'inscrire à un jeu télé en temps réel où il doit survivre le plus longtemps possible à 5 tueurs lancés à ses trousses, ainsi qu'au bon peuple qu'on gratifie lorsqu'il cafte. Nous sommes dans une société futuriste, bien sûr.

L'excellent Glen Powell endosse sans problème sa défroque d'action-man mal embouché, Josh Brolin incarne le méchant PDG tout en dents blanches et Colman Domingo a l'air de s'éclater en présentateur sans morale (sans arriver à la cheville non plus du numéro de Piccoli dans le Boisset, mais c'est autre chose).

Grand public sous hypnose, règles truquées, police achetée par la même société qui produit le show, alter-mondialistes gauchistes qui oeuvrent dans l'ombre pour désaxer l'infernale mécanique du Grand Capital pourrissant... Edgar Wright y va à fond pour faire comprendre qu'il est au-dessus de la moyenne dans l'exercice, en faisant presque croire que ses deux idoles, ce sont le Che et Bansky. 

Mais sans doute faut-il que quelqu'un se dévoue pour lui avouer ceci: des cinéastes doués qui enfilent les grandes scènes d'action, les bonnes blagues, le gadgets ingénieux et les grosses explosions, à Hollywood et sur les plateformes, il y en a plein.

Au suivant.

Ben tiens, justement, MAYDAY de Daley & Goldstein (kiça ?)... Sur la plateforme Apple qui décidément ne produit pas grand chose de bon côté films, on a demandé à deux réalisateurs de série de mettre en boîte la rencontre buddy-movie entre Ryan Reynolds et Kenneth Brannagh. Nous sommes à l'aube de la perestroïka, et un pilote d'avion furtif américain se fait péter au-dessus de la Sibérie. Il est recueilli par une sorte d'ermite, ancien du KGB, qui rêve d'Amérique et possède la VHS de.. TOP GUN.

Entre ce beau gosse rigolo de Reynolds et le vieux Brannagh qui sait bien faire l'accent russe (65 ans aux fraises, merci aux effets numériques pour les bastons et les cascades), la mayonnaise finit par prendre, tant bien que mal, même si on a affaire ici à un film d'action écrit sur un coin de bout de PQ et filmé selon le cahier des charges habituel de la chaîne: comme une série Apple, quoi.

Des poncifs, des clichés, des dialogues alertes qui peuvent de temps en temps arracher un sourire, un méchant qui fait à peine peur et des situations qui auraient mieux convenu à un jeu vidéo (faire atterrir un avion de tourisme sur un porte-avion, s'enfuir de la Place Rouge à bord d' un porte-missile atomique). Quand le film s'arrête sur une ultime blagounette, et que Kenneth savoure enfin ce BigMac tant rêvé, on se dit qu'on a déjà vu bien pire, et que c'est justement ça le problème.

Notices en vrac (X) SMASHING MACHINE, HONEY DON'T & BACK TO THE FAMILY

 

Bennie et Josh se sont séparés, Josh est parti faire un biopic tout excité sur un pongiste américain dont personne ne suspectait l'existence, Bennie a lui choisi de retracer l'histoire de Mark Kerr, une des toutes premières vedettes de ce qui s'appellera plus tard la MMA. Coups de pied, coups de coude, de genoux, manchettes et clés de bras, plaquages au sol et retournés à vous éparpiller les vertèbres, nous voici à l'aube de l'apogée d'un des sports de combat phare du XXI° siècle.

Pour peu que le phénomène sportif vous indiffère, voire vous exaspère, comme moi, reste quand même la force d'un spectacle qui envoie du lourd, c'est le cas de le dire. Pour Bennie Safdie, c'est du nanan puisqu'il s'offre ici les services de Dwayne "The Rock" Johnson, ancienne star du catch et figure rigolote des action-movies d'aujourd'hui, qui a du retrouver pas mal des frissons, des contraintes et des déperditions de son ancienne discipline.

Pourquoi avoir réalisé ce film par contre, si ce n'est pour offrir l'occasion à sa star de se faire reconnaitre comme un véritable acteur (et c'est vrai qu'il est très bon, et même souvent émouvant), ça c'est un mystère. Mark Kerr a connu l'apogée dans son sport comme le grand plongeon dans l'océan des opiacés et des anti-douleurs, presque atteint le point de rupture psy, manqué se séparer de sa femme mille fois, mais enfin comment faut-il le dire... on s'en fout !

Hormis la prestation de The Rock, il faut aussi reconnaitre à Emily Blunt un certain talent à incarner cette bimbo un peu bling-bling folle amoureuse, malgré tout, de son Conan le Barbare à elle. Comme dans le film de son frangin, MARTY SUPREME, et même s'il file à un rythme moins cocaïné, SMASHING MACHINE a les mêmes qualités et les mêmes défauts: de l'énergie à revendre et un usage immodéré d'une bande son pop and rock qui vire souvent au clip vidéo. 

Mais enfin, la scène de ménage filmée au rythme du magnifique JUNGLELAND de Springsteen, ça remue quand même les tripes.

Une paire de frérots qui s'est séparée, mais pas fâchée, eux, puisqu'ils vont se retrouver sous peu, se sont les Coen. Il serait temps qu'ils se retrouvent, parce que le petit Ethan s'égare un brin. Après son sympathique DRIVE-AWAY DOLLS, polar baladeur avec deux héroïnes gay égarés dans la jungle des psychopathes, beaufs, crétins et autres fumiers typiquement coeniens, voici HONEY DON'T, toujours avec la pétaradante Margaret Qualley, toujours aussi bombesque, toujours aussi géniale, toujours aussi lesbienne que dans le précédent.

On se réservera le droit d'analyser plus tard la focalisation un peu peeping Tom d'Ethan pour les amours lesbiens ainsi que sa fixette sur la belle Margaret. Ici, elle est détective privée dans un bled tout moisi de Californie du Sud. 

Il y a un accident de voiture douteux, un pasteur charismatique qui se sert de Jésus pour mettre toute la gente féminine du coin dans son pieu (Chris Evans, qui a un peu de mal à tâcher son image de gendre idéal à la verveine citronnée), une fliquette libérée, un flic marrant qui insiste sans espoir pour inviter Honey à prendre un pot, des hommes de main bas du front et un scénario qui s'éparpille dans tous les coins sans se préoccuper de savoir où sont partis les morceaux, Ethan Coen le premier.

Il manque quelque chose à Ethan, mais là inutile de se creuser la tête bien longtemps pour savoir quoi: c'est la noirceur et l'esprit de sérieux de son frère.

Et où était donc passé Sharunas Bartas, ce roi déchu du feel-no-good-movie et ex (petite) égérie du cinéma d'auteur européen ? Le lituanien est apparemment passé au travers d'accusations de harcèlement sexuel sur ses tournages, aussi mon dernier souvenir de lui, en salles, était le très beau (mais très noir) FROST sur la guerre au Donbass.

Ce joyeux drille a du manger sa casquette depuis, fini les coprod européennes et retour au pays: BACK TO THE FAMILY, sorti en 2025, raconte le retour au village d'une jeune femme partie loin. Et on comprend vite pourquoi: mamy agonise dans sa chambre, maman devenue obèse se saoule du matin au soir, son beau-père qui ne suce pas que de la glace non plus, se verrait bien refaire un tour dans le lit "de sa petite fille chérie" et lorsqu'elle va faire un tour au village, c'est pour se retrouver en compagnie de drôles de tête, aux intentions litigieuses.

Absolument pas recommandé par le ministère du tourisme lituanien, ce calme cauchemar qui s'achève sur un repas d'obsèques où beau-papa et maman ne sont pas les plus atteints. fascine quand même par son insistance à filmer la misère sans rien en cacher, laissant apparaitre quelques beautés derrière ce rideau de laideur. On pense un peu à Pedro Costa, aussi, ce qui est un compliment. Bartas a tout de même un talent incroyable pour dénicher des trognes pas possibles.

Il est, toujours, un cinéaste à visiter de temps en temps.

Notices en vrac (IX) GANGS OF TAIWAN, LES RACINES DU MONDE & USH-A-BYE BABY

 Avec son titre de méchant film de baston à se bouffer des mandales non-stop, GANGS OF TAIWAN est pourtant beaucoup plus que cela. Ce n'est pas du tout ça d'ailleurs, car les séquences de castagne sont ici assez furtives, remplacées pour le coup par une ambiance concrète de menace physique permanente et de coups fourrés qui peuvent venir de n'importe où. Nous sommes à Taipei en 2019, et la population suit, inquiète, les manifestations violentes qui ont lieu chez leurs voisins à Hong Kong, rétrocédé il y a peu à la Chine.

GANGS OF TAIWAN est un film sur une tempête qui arrive, sur une menace qui s'annonce: celle de la main-mise du géant voisin sur Taïwan. Zhong-Han travaille dans le resto de ses parents, un vieux truc où on mange bien mais se trouve déjà menacé par l'appétit féroce d'un nouveau propriétaire. A côté de ça, le jeune homme tombe amoureux et cherche à se défaire du gang de racketteur dans lequel il joue le gros bras mutique (il est muet).

Drôle de film, qui accapare toute notre attention par la singularité de son héros particulièrement incernable d'abord (le beau gosse Wei-Chen Liu), mais plus encore par le parallèle qu'on est obligé de faire entre le présent de Hong Kong et ce que Taïwan va devenir, si ce que chacun redoute arrive. Via ses hommes d'affaire cravatés, courtois et sans scrupules qui rôdent déjà pour faire de cette vieille cité un nouveau Taïwan, et par la violence mafieuse qui d'un coup se décomplexe pour gagner en perversité.

Toujours à l'autre bout du monde mais en des contrées autrement plus exotiques, LES RACINES DU MONDE de Byambasuren Davaa est un film qui nous vient de Mongolie, sur les pas d'une famille d'éleveurs nomades qui vivent là depuis des générations. Comme toutes les familles des steppes, ils vont devoir faire face à des entreprises minières qui veulent les expulser pour retourner leurs terres.

Pays rarement filmé, la Mongolie donne dans ce très joli film ce qu'elle a de meilleur à offrir: des paysages à couper le souffle, des trognes burinées par le soleil, de splendides sourires avec des dents blanches jusque là ou l'image d'une gamine hilare qui court après un troupeau de chèvres en agitant son bâton. 

Dommage que la réalisatrice ne sache pas faire autre chose qu'un film-dossier (contre les géants de l'extraction de minerais qui défigurent et polluent à tour de bras et en toute impunité) sur fond de mélodrame familial. Garder ce motif en toile de fond aurait été tout aussi percutant si le film s'était plus attardé sur les petits détails qui accrochent, comme l'improbable bagnole customisée avec talent par le père de famille et qui, même pétée de partout continue à rouler comme en 40.  

En 1990 sortait un petit film irlandais, HUSH-A-BYE BABY, qu'on a pris soin tout récemment de restaurer avec soin. Je n'ai pas vraiment compris pourquoi, si ce n'est que, peut-être, le film de Margo Harkin a proposé là une sorte de combo 2 en 1 des grandes plaies à jamais non cicatrisées de la Verte Erin: le droit à l'avortement et le conflit nord-irlandais (on parlera des méfaits de l'Eglise catholique plus tard).

On y suit donc l'adorable Goretti, 15 ans, d'abord avec ses copines qui s'éclatent sur Cyndi Lauper et mâchent du chewing-gum en regardant les garçons, qui les regardent. Il y a la rousse délurée, la bonne copine en excès de poids, la romantique mystérieuse (Sinead O'Connor en personne, un des grands amours platoniques de ma vie, mazette je vais pleurer) et Goretti donc. Qui s'amourache d'un gaillard absolument charmant, moins con que la moyenne dirons-nous et vlan ! Polichinelle dans le tiroir et le pauvre Ciaran qui se fait serrer par ces enflures d'angliches au gré d'une rafle.

Le film n'est pas forcément gai, pas forcément triste non plus mais, plombé par une sorte de fatalisme insidieux, ne cherche même pas à prendre parti ni à sortir son héroïne du cul-de-sac. Entre cauchemar du ventre qui gonfle et celui où apparait la statue de la Vierge Marie, on voit bien que Margo Harkin, si jamais son coeur balançait d'un côté ou de l'autre, n'a pas voulu y aller trop franco.

Reste que ce (très) petit film est passionnant pour ce qu'il montre de l'enseignement et de l'utilisation de l'Irlandais lors de cette période: interdit à l'école et en espace pénitentiaire, mais employé d'une manière cynique par un soldat anglais lors d'un contrôle de routine.

Et lors d'une scène de baptême, c'est Sinead qui chante. Bon sang, mais qu'est-ce-qu'elle pouvait envoyer...

Notices en vrac (VIII) LE JOUEUR DE GO, URCHIN & BUGONIA

 Je m'attendais à voir quelque chose de confortablement ennuyeux (jeu de go + reconstitution d'époque) et puis non, LE JOUEUR DE GO de Kazuya Shiraishi, véritable carton dans son pays, est bien plus que cela et surtout un vrai film de samouraï, à l'ancienne. Le héros, le sage et stoïque Chobei, vit avec sa fille dans une ville paisible où il exerce son métier d'imprimeur. Chobei est aussi un samouraï (il se promène constamment avec ses lames), un samouraï sans maître qui un jour défie un grand joueur de go. Bien qu'ayant gagné la partie, son adversaire s'est rendu compte de sa supériorité et un lien subtil va se nouer entre les deux hommes.

Il s'agira ensuite d'un vieux passé qui remonte violemment à la surface, de la disparition d'une somme d'argent qui va retomber sur les épaules de Chobei, entrainant sa fille après lui, d'un vieil ennemi à retrouver coûte que coûte et d'un contre-la-montre haletant pour sauver une jeune fille d'une vie de geisha.

Tout y est, droiture, sens de l'honneur, vapeur de thé au-dessus du plateau de go, regards noirs qui fulminent, un méchant sardonique mauvais comme la gale, des ballets de sabre et de kimonos ensanglantés, membres tranchés et sang qui gicle en geysers. Je ne sais pas qui est ce Kazuya Shiraishi, mais c'est du bon et bel ouvrage. Classique, pesé et surprenant malgré tout, LE JOUEUR DE GO s'achève sur note quasi eastwoodienne, en remettant en cause la morale archaïque et (ô combien) guindée du samouraï au profit d'une autre morale, personnelle, un peu libertaire. L'histoire d'un homme de qualité prêt à quitter la voie du samouraï pour celle d'un homme libre de toute entrave.

Après cette belle découverte dont je n'attendais pourtant pas grand chose, un film dont j'attendais un peu, enfin pas trop n'exagérons rien, la première réalisation de l'acteur Harris Dickinson. Qui nous la joue sur une partition de cinéma social à l'anglaise, moins Ken Loach que Mike Leigh tant son personnage principal, Mike (l'épatant Frank Dillane) possède quelque lien de parenté avec le clodo nihiliste et violent incarné par David Thewlis dans NAKED.

URCHIN, c'est donc les quelques jours de Mike, jeune homme à la rue qui sort de taule pour avoir tabassé un chic type qui voulait lui venir en aide, tout ça pour lui faucher sa belle montre. Entre petits boulots de réhabilitation auquel il a du mal à se faire malgré la bonne volonté de ses patrons, une amourette avec une fille sympa qu'il envoie chier au premier accroc, ses retrouvailles avec la kétamine (j'arrête quand je veux) et ses fréquentations de merde, Mike retournera à la rue de son pas bravache de jeune homme décidé.

Que retient-on de ce portrait qu'on aurait voulu déclencheur de notre forte empathie ? Que Mike est un sale petit connard, non pas parce qu'il n'arrive pas à s'intégrer, mais parce qu'il crache systématiquement dans toutes les mains qu'on lui tend. Empathie zéro pour lui donc, ce qui n'a pas l'air non plus d'avoir été l'intention première du cinéaste, qui se donne par ailleurs le rôle discret, mais tout aussi affligeant, d'un autre jeune tout aussi paumé et antipathique que lui. A qui je continuerai de préférer l'ami Thewlis dans le Mike Leigh, pourtant mille fois plus salaud et dégueulasse, mais fascinant par son défi permanent lancé à la société.

Pour finir, le dernier opus d'un de mes cinéastes antagonistes favoris, Yorgos Lanthimos. Pourquoi un réalisateur qui a réalisé CANINE et PAUVRES CREATURES, ces merveilles, continue à pondre par ailleurs des films qui me tapent sur le système ?

BUGONIA démarre pourtant sur les chapeaux de roue, avec ce tandem de cousins apiculteurs, complotistes et castrés qui kidnappent une wonder-girl de la tech pour lui faire avouer qu'elle est une extra-terrestre chargée de mettre l'humanité toute entière en servitude. Le film est d'abord drôle, cruel et percutant jusque dans la charge immorale qu'il y a mettre face à face, (et à comparer), deux volontés pas vraiment guidées par les mêmes facultés intellectuelles.

Le film peut faire plaisir lorsqu'il fait morfler la toute puissante Michelle (la toujours aussi terrific Emma Stone) entre les mains de plus en plus fébriles de Teddy, son ravisseur de plus en plus convaincu par sa théorie (le toujours aussi terrific Jesse Plemons). Lanthimos a du penser au meurtre de ce président de grande mutuelle américaine par un activiste, et c'est vrai que j'en enfermerais bien quelques uns dans ma cave, si j'en avais une, juste pour leur expliquer deux ou trois trucs.

Quoi qu'il en soit et même si le spectacle offre quelques réjouissances (Lanthimos ne filme pas avec ses pieds), je serai plus cironspect quant à son twist final, que je sentais venir, et à quelques conclusions du scénario dont j'ai un peu de mal à faire le tri: les riches sont donc bien de grands manipulateurs sans morale, les pauvres de braves crétins serviles (le personnage du cousin demeuré, au secours), et les complotistes n'ont peut-être pas tord.

Dans le genre de gros pudding politiquement incorrect, toujours sur le foutoir idéologique actuel, je préfère le délire d'Ari Aster (EDDINGTON) avec son final en cul-de-sac qui ne pouvait ravir personne.

UN GRAND RACCOURCI, tout droit vers nulle part.

On ne va tout de même pas en faire tout un plat, ni même toute une tartine, mais c'est quand même chouette UN GRAND RACCOURCI. Un film pour nous rappeler que faire fonctionner une bonne comédie, bien loin de tenir du miracle, cela repose sur quelques trucs travaillés bien comme il faut, des situations bien écrites et des comédiens qui donnent le la.

D'un côté nous avons Grégoire et Corentin, deux cousins qui s'adorent même s'ils ne sont pas toujours au diapason. Le premier va devoir plier les gaules car le resto de son père, où il bosse, va fermer faute de clients tandis que Corentin, start-upeur pas toujours au point, ouvre sa boite de dératisation en lâchant au préalable ces sympathiques rongeurs dans les exploitations agricoles.

De l'autre, la très fonceuse Maeva arrive à convaincre sa pote Louise de concourir au titre de Miss Côte d'Armor, même s'il lui manque 2 bons centimètres.

Nous sommes en Bretagne donc, et le film a déjà ce mérite de nous tailler un territoire de poche dans lequel on se sent tout de suite chez soi. Il ne se passe pas grand chose de plus et on serait bien en peine de comprendre pourquoi UN GRAND RACCOURCI nous a eu. Parce que cela rigolait beaucoup dans la salle.

Grâce sans doute à ces petits riens qui nous montrent combien ces quatre jeunes gens, pas toujours très adaptés à la situation, sont touchant, patauds et candides à vouloir se prouver qu'ils sont grands, - alors que pas vraiment -. Dans un des seuls rôle d'adulte d'ailleurs, Dominique Rabourdin campe un patron de resto au bout du rouleau aux réactions parfois assez juvéniles, et qui rêverait bien d'un retour en arrière. En gros, arrêter de bosser comme un con pour des prunes, et se la couler douce comme avant.

Les envies d'y "arriver" de ces quatre jeunes gens n'en sont pas vraiment. Le rêve de Corentin, derrière ses airs de winner adolescent, ce serait plutôt de ne jamais quitter son cousin et de continuer à rigoler. Et Louise n'a pas plus envie de devenir Miss que d'aller planter des artichauts. Le clou comique du film, c'est elle, interprétée par la merveilleuse Sara Montpetit (déjà remarquée en vampirette qui ne voulait pas saigner les gens dans le très drôle VAMPIRE HUMANISTE...), dont les mines et les déhanchés pas très au point provoquent de bons fous rires.

Les dialogues sont aussi aux petits oignons, pas si "écrits" que ça mais portés par des acteurs à qui on a laissé beaucoup de libertés. Ils sont tous très bien, au naturel. Le tandem Foex-Devilliers a tourné leur premier film avec un budget tout riquiqui et, fait assez inédit pour être relevé, c'est une photo de liesse de fin tournage qui ponctue le film. Toute une bande de jeunes en short qui braillent comme à la fin des colonies de vacances.

Et le film a l'air de bien marcher. Les petits miracles existent donc toujours. Super, on va continuer d'y croire !

Notices en vrac (VII) THE EYES OF MY MOTHER, L'OMBRE LA FEMME ET LE COUTEAU, CONJURING L'HEURE DU JUGEMENT

Perdu au fin fond d'une plateforme dédiée au cinéma de mauvais genre, THE EYES OF MY MOTHER de l'inconnu Nicolas Pesce date de 2016 et votre serviteur s'est fait cueillir comme une fleur par deux fois (j'avais en fait oublié l'avoir déjà vu) tellement l'objet filmique ici présent est fort surprenant. Attention, c'est du raide, la seconde partie en particulier avec la femme kidnappée est le genre d'horreur qu'on est content quand ça s'arrête. 

La jeune Francisca grandit entre père et mère dans une cabane au fond des bois. Maman est une ancienne chirurgienne et un jour que papa est sorti, un psychopathe débarque et massacre maman dans la salle de bain. Ce qui s'ensuit déjoue tellement les schémas classique du gore qu'on est en lieu de penser que le film est quand même une drôle de découverte. Serti dans un noir et blanc superbe, interprété surtout par une comédienne (Kika Magalhaes) aux airs de poupée de porcelaine qui a l'air de tout trouver normal (pas nous), l'histoire de Francisca, devenue grande, et de son vilain méchant petit secret planqué dans la grange, est à l'arrivée un morceau d'american gothic comme on en croise peu souvent.

La particularité du film tient sans doute aux raisons profondes  du comportement de cette jeune femme, s'il est causé par ce traumatisme originel par lequel tout commence, ou s'il n'est qu'une partie "normale" dans une vie tout à fait anormale (car les réactions du père sont elles aussi assez incompréhensibles).

Bref, un vrai film de taré.

L'OMBRE, LA FEMME ET LE COUTEAU est le genre de série B comme le cinéma coréen en produit à foison. Avec sa tueuse d'élite du troisième âge pas du tout prête à raccrocher les lames, ce film signé de l'inconnu au bataillon Kyu-Dong Min vaut pour l'ingéniosité de ses assassinats et les trésors d'inventivité déployée par tous ces experts en occidation éclair. D'ailleurs, occidation n'existe pas.

Mille rebondissements plus tard et une histoire de vengeance enfouie dont on se fout complètement (c'est coréen, ils adorent ça), on n'aura pas passé un mauvais moment, bien au contraire, faisant fi pour le coup de la complexité exagérée du scénario et du nombre un brin dément de méchants envoyés ad patres par les soins de mamy.

Mais dans le rôle de la terrible Hornclaw, on retrouve la géniale Lee Hye-yeong, qui est depuis pas de temps une des actrices fétiches du grand Hong Sang-soo. Face à elle, tous ces jeunots qui se croient malin et toutes ces grosses brutes font petits bras. Je l'adore.

On termine par un navet de  compétition avec le dernier opus, du moins on l'espère, de la saga CONJURING avec ce couple de mediums sans cesse emmerdés par des esprits frappeurs aux très mauvaises intentions. On y retrouve les grands yeux écarquillés de Vera Farmiga et le jeu de chamallow fondu du pauvre Patrick Wilson qui cette fois auront maille à partir avec le très méchant démon qui jadis emmerda leur fille unique via un grand miroir qu'on retrouve dans une maison occupée par une famille nombreuse qui va servir de punching-balls au méchant vilain planqué là-dedans .

Vous m'avez suivi ? Sinon c'est pas grave. Vieille môche qui apparait sous le plumard ou dans une galerie des glaces, poupée qui jacasse et avance à quatre pattes, gros méchant avec une grosse hache, à la fin c'est le Christ qui commande, c'est Jésus qui te chasse, oh la vilaine engeance 

Sorte de best -of de la franchise, battant même le rappel du spin-off ANNABELLE tant qu'à faire, ce truc est signé d'un certain Michael Chaves qui a déjà signé d'autres suites à d'autres machins qui font "bouh !", mais vous pouvez oublier son nom.