HISTOIRES DE LA NUIT, Une autre histoire de la violence.

 HISTOIRES DE LA NUIT jette un froid sur la douce quiétude du cinéma français et c'est cette première constatation qui prime: on ne voit pas souvent de film comme ça de par chez nous. Cela couvait pas mal sous la cendre des précédents films de Léa Mysius, y compris ceux qu'elle a pu écrire pour d'autres. Voilà une jeune femme qui n'a pas froid aux yeux. Une de plus.

Son dernier film est donc l'adaptation d'un roman de Laurent Mauvignier que je n'ai pas lu et que je devine, pour en avoir lu d'autres de lui, moins littéral et plus en disgressions que l'adaptation qui en est faite. Voici donc une histoire qui débute par l'intrusion de trois hommes (Magimel, Paul Hamy et Alane Delhaye) chez un jeune couple installé dans un bourg perdu du fin fond de nulle part. Une longue nuit commence alors, durant laquelle les intentions des envahisseurs se font de plus en plus précises.

Je ne dévoilerai rien de ce qui s'ensuit, mais sachez qu'il est rare qu'un film français avec pareil panel de comédiens déverse un tel déchainement de violence. Plus psychologique que physique d'ailleurs, les éclaboussures n'en étant que plus marquantes. C'est d'ailleurs par quelques effets de style bien vus que Léa Mysius réussit le mieux son coup: sur une toile de peinture sombre tâchée ici, rouge sur fond noir, d'un corps baignant dans une auréole sanglante (hello le Dragon Rouge !) ou encore un long travelling avant somptueux, en images de synthèses 3D et noir et blanc pour sombrer de l'imaginaire abimée d'un des "occupants" (campé par l'excellent Alane Delhaye, vu tout gamin dans plusieurs films ch'ti de Bruno Dumont) vers celui de tous les autres.

On a beaucoup comparé le film, qui n'a pas forcément plu à tout le monde, au fameux FUNNY GAMES de Haneke, un des films les plus éprouvant du monde. HISTOIRES DE LA NUIT ne possède pas forcément ce penchant théorique à désosser les rouages de la violence comme le faisait le cinéaste autrichien, en forçant le spectacle vers un déchainement de sauvagerie et de sadisme rarement vu pour mieux accuser la place du voyeur qui était la notre. 

Non, le film de Mysius s'apparenterait plutôt à un bombardement en règle du microcosme familial (les envahisseurs sont venus pour déranger ce bel ordre établi), dont l'un des éléments des plus significatifs est sans doute le personnage de Cristina, la voisine (Monica Bellucci, comme rarement vue), artiste solitaire qui, de son propre aveu, a saccagé sa propre vie amoureuse et familiale par égoïsme. Et de là comprendrons-nous mieux les sentiments ambivalents, voire hostiles et dont elle ne se cache pas, pour Nora (Hafsia Herzi), cette mère de famille "exemplaire".

Pas beaucoup d'innocents dans ce film et peu de dupes si ce n'est la petite fille de Nora et Thomas, au coeur de la seconde partie du film, et enjeu d'une lutte fatale.

Le film a sans doute un jumeau anglo-saxon, A HISTORY OF VIOLENCE de Cronenberg, dans lequel le passé soudain révélé d'un brave pater familias bien sous tous rapports remontait à la surface dans un déferlement d'hémoglobine. Personne ici n'est épargné, pas même le gentil Thomas avec sa gentille fête d'anniversaire, qui lui aussi a ses petits secrets.

Si je n'ai pas réussi à voir ces HISTOIRES DE LA NUIT comme autre chose qu'un excellent film noir, c'est déjà beaucoup. A la maitrise très inspirée de ce huis-clos qui fait très vite transpirer, au tranchant de la mise-en-scène qui montre combien Léa Mysius a pris de l'altitude par rapport à ses films précédents déjà marqués par la noirceur et des figures féminines tout sauf angéliques, il faut tout de même parler de la tenue de très haut vol des interprètes. 

De cette gamine (Tawba El Gharchi) au regard difficile à oublier, jusqu'au trop rare Paul Hamy, crispant en mec onctueux et violent, en passant par un Magimel de plus en plus excellent, toutes et tous portent le film très haut.

Simple exercice de style ou autopsie du mirage de la vie de famille, peu importe: voilà enfin un thriller made in France qui s'assume et ne prend pas de gants.

Notices en vrac (XIII) L'AFFAIRE NEVENKA, VIOLATION & THE BATMAN

Double programme #metoo today, avec tout d'abord le film de l'espagnole Iciar Bollain sur un procès qui fit grand bruit dans les années 90 et qui fut la première affaire où un homme politique fut reconnu coupable de harcèlement moral et sexuel sur une de ses jeunes assistantes. Gros succès en Espagne, L'AFFAIRE NEVENKA  est bien un film tel que je me l'imaginais, sans grande originalité et c'est un peu pour cela que je ne m'étais pas précipité pour le voir en salle.

A l'arrivée, et même si on croit pas un instant que le procès s'est déroulé tel que décrit (en gros, un procureur qui s'acharne tellement sur Nevenka qu'il offre lui même la parfaite illustration de ce qu'est le harcèlement, un peu simple), le film d'Iciar Bollain tient son sujet jusqu'au bout, et je me suis surpris à me prendre quelques suées, quand même. Sorte de Gilles Lellouche de là-bas (même sourire de commande et petits yeux noirs sans expression), Urko Olazabal fait très bien le job: on a vraiment envie qu'il crève dans le premier virage.

Par contre, c'est la première fois sans doute qu'est aussi bien décrit le long processus de destruction mentale inhérent à toute entreprise de harcèlement. Ne laissant rien au hasard, et surtout pas le moindre doute sur les intentions nauséabondes du bonhomme, acharné à faire perdre les pédales à cette jeune femme, le film détaille ce long travail de sape et comment on peut s'en sortir face à un type qui a le bras très long, et une mauvaise foi monumentale en bandoulière.Bien sûr, en Espagne on fait aussi bien que chez nous: après s'être pris une condamnation et un temps d'inéligibilité,  monsieur le Maire est remonté en selle des années plus tard. C'est aussi à ça qu'on les reconnait.

VIOLATION, c'est autre chose. Zyeuté par hasard sur une plateforme dédiée au cinéma crado, il nous emmène faire un petit tour dans un chouette chalet auprès d'un lac (c'est beau le Canada, c'est bien vert) et dans la tête de Myriam (Madeleine Sims-Fewer également co-réalisatrice avec Dusty Mancinelli), en pleine crise conjugale et qui se fait sauter dans son demi-sommeil par son beau-frère, près du feu de camp.

L'idée ne lui a pas plus autant que ça et même si elle réalise que le gentil Dylan croyait bien faire et a l'air franchement étonné de sa réaction, on ne va pas en rester là.

VIOLATION fait un peu de chiqué avec ses flash-backs pas toujours judicieux et quelques séquences un peu trop étirées. Pour qui a vu quelques I SPIT ON YOUR GRAVE, on va dire que VIOLATION nous refait le coup de la douce vengeance version moins trash, moins sadique, mais quand même. Si les violeurs de la franchise sus-citée méritaient ce qui leur arrivait, dans un exténuant carnaval de tortures et de violences plus ou moins raffinées, ici c'est l'organisation de Myriam dans son projet qui est saisissant, même si sa réaction demeure quand même.... disproportionnée..

Ne laissant rien au hasard (sacs plastique, ruban adhésif, treuil fixé au plafond, pâte à bois pour tout reboucher, scie à main, cocottes minute, glacière avec robinet d'écoulement, perruque mais quelle organisation !), voyez voir comment Myriam la vénère s'y prend: c'est pas du travail de bonne femme ! Passé ce petit kif sadique qu'on pourra toujours imaginer comme appartenant à l'imagination de son héroïne, reste un film assez curieux, plutôt raté dans son ensemble (un film de 50 minutes aurait suffi) mais porté par le calme refroidissant de la nana.

Maintenant les mecs, laissez vos bijoux de famille dans votre slip, sinon je vous envoie Myriam.

On termine sur une ânerie, une de plus à mettre au palmarès de l'écurie DC Comics avec cet énième rebouturage du héros masqué de Gotham City avec Robert Pattinson dans le rôle. Il a l'air de s'ennuyer, le pauvre, mais bon, la bouffe à la cantine devait être bonne. Matt Reeves aime les grosses cylindrées pleines d'explosion et les grandes orgues qui grondent, et il a mis des vedettes un peu partout (oh! c'est Machin qui fait Truc, oh t'as vu, y a Machine en...) Bon.

Personne ne coule le vaisseau, chacun prend sa part et fait le boulot, mais quel intérêt pour des grands comédiens comme Turturro ou Colin Farrell de jouer dans ce truc ? La bouffe de la cantine, oui je sais.

THE BATMAN a juste pour lui, quand même, de faire simple dans le scénario, donnant des accents de film noir, presque de "remake" de LA MOISSON ROUGE de Hammett puisque le grand méchant du film reste la corruption. Disons qu'après les vilains navets de Snyder avec cette patate de Ben Affleck en justicier masqué, les meringues de Nolan et plein d'autres qu'on souhaiterait n'avoir jamais vu, les BATMAN de Tim Burton malgré le petit coup de vieux qu'ils se sont pris, restent les meilleurs. Et puis toujours personne pour arriver à la botte de Michelle Pfeiffer en Catwoman feulante et tarée, fantasme S.M. à jamais gravé dans ma libido adolescente.

Miaou. 

 

BLOODY MAMA, maman gros bobos.

 Parmi les presque 500 films que le mythique Roger Corman produisit au long de sa fructueuse carrière, il en est une petite cinquantaine qu'il réalisa lui-même. Rapiat notoire, partisan du système D. et des économies de bout de ficelle, notre bonhomme découvrit moults talents, devant et derrière la caméra, une liste tellement longue qu'elle recoupe quasiment tous les grands noms du cinéma américains éclos entre la fin des années 50 et les années 80.

Son dada, c'était les adaptations d'Edgar Poe, les loups-garous, les vampires, les reboot approximatifs de Frankenstein, les westerns à un seul décor ou encore les films avec course de bagnoles. Il n'a pas fait que des bouses, loin de là, mais il en a fait beaucoup... Tout comme sa boite de production avait surfé sur la vague EASY RIDER en sortant un nombre invraisemblable de films à motards discount, il a aussi pas mal abusé de la vague BONNIE AND CLYDE en produisant beaucoup de films de gangsters durant la grande Dépression.

Parmi eux, il tourna lui-même ce BLOODY MAMA, un rien plus sophistiqué et moins fauché que ses autres films, notamment grâce à cette sacrée Shelley Winters qui, sa gloire passée mais pas encore tout à fait oubliée et entre deux cachetons pour des seconds rôles dans des films catastrophes ou des séries télé, s'était proposée toute seule comme une grande pour jouer cette fameuse Kate "Ma" Barker, matriarche un brin psychopathe qui a bel et bien existé, et avait élevé ces quatre grands garçons dans le respect du vol, du viol, du meurtre et du racket. Le cinéma (et les productions de Corman surtout) se sont beaucoup inspiré de cette figure sauvage du grand rêve américain retourné comme un gant. Le groupe Boney M. aussi, qui en fera un hit disco qu'on fredonne encore.

En échange d'un cachet qu'on devine dérisoire (Corman était dur en affaire, c'est rien de le dire), elle avait tenu à amener avec elle cinq acteurs de l'Actor's Studio qu'elle fréquentait beaucoup et dont elle appréciait le travail: Don Stroud, Robert de Niro, Clint Kimbrough, Robert Walden et Bruce Dern, rien que ça, ce dernier incarnant le béguin homo d'un des frères rencontré en prison, et que Ma Barker se tapera au passage (parce qu'elle en a envie, c'est elle qui décide).

Entre deux volées de solo de banjo, il y aura des braquages à la mitraillette, des prises d'otages originales (coller des mémés aux portières de la voiture après un casse, pour pas qu'on leur tire dessus), un kidnapping avec demande de rançon, des vols qui tournent mal, des petits tours en prison, des impromptus malencontreux (Lloyd, le fiston un peu faible d'esprit accro à l'aiguille qui viole une jeune fille qu'il faut liquider).

Sorti en 1970, BLOODY MAMA n'a rien perdu de son jus et Corman savait battre le rythme à la bonne mesure, quand il le voulait bien. Ce qui est toujours aussi perturbant, c'est à quel point les perles d'immoralité et de provocation aux bonnes moeurs font toujours mouche. Entre l'homosexualité sans complexe, les sous-entendus sexuels permanents, l'ambiance continuelle d'inceste consommée sans modération et la violence radicale de cette patriarche dégénérée, il y a tout de même ce moment presque émouvant où les garçons trouvent, dans le riche homme d'affaire kidnappé (campé par Pat Hingle), une figure paternelle de rechange, personne morale, droite et rassurante qui tourneboule complètement leurs valeurs (mais pas celles de leur Mama, constamment dépravées).

Bien sûr, c'est parfois assez cheap. On fermera donc les yeux sur la fusillade finale, assez drôle au demeurant (avec ces badauds qui s'arrêtent pas loin pour apprécier le spectacle) et sur l'alligator géant en plastoc, mais BLOODY MAMA est un film qui pique toujours, grâce notamment à une Shelley Winters sortie des flammes de l'enfer.

C'est une rareté à ne pas manquer, si vous en avez l'occasion (et pas froid aux yeux).

Notices en vrac (XII) TOUCH - NOS ETREINTES PASSEES, DOSSIER 137 & JEUX D'ENFANTS

 

Baltasar Kormakur, cinéaste islandais passé par tous les genres et tous les styles depuis sa découverte en 2006 avec son excellente adaptation d'Indridason, JAR CITY, a depuis fait un peu tout et n'importe quoi une fois adopté par Hollywood. Retour chez lui, du moins au début du film avec TOUCH, romance rétro qui se passe dans le Londres de la fin des années 60. On y fait la connaissance de Kristofer, grande perche islandaise d'étudiant en économie qui décide de plaquer ses études emmerdantes pour, sur un coup de tête, se faire embaucher dans un restaurant japonais. Il y rencontre Miko, la fille du patron. Coup de foudre, et ça n'est rien de le dire.

Que le film soit construit sur un flash-back (Kristofer en veuf à la retraite retournant à Londres, puis au Japon pour y retrouver le grand amour de sa vie) ou encore que le scénario nous garde au chaud un secret de famille lourd comme une enclume pour expliquer pourquoi ces deux-là se sont perdus de vue n'est pas grand chose au regard de la force de cette histoire d'amour.

Certes, Egil Olafsson et Koki sont tous les deux jolis comme des coeurs et dégagent un charme des plus affriolant et le réalisateur n'y va pas de main morte pour battre le rappel du pop-spirit de ces années-là. On y entend les plus doux morceaux de Lennon, des Zombies ou encore de Nick Drake et ça, c'est déjà chouette comme tout.

Alors d'où vient que cette love-story nous berce plus franchement qu'aucune autre, malgré un noeud scénaristique qui n'y va guère de main morte (Hiroshima et tout ça...) ? Grâce sans doute aux non-dits des rapports entre Kristofer et sa belle-fille, qui se règlent (mal) par téléphone, grâce à l'attention portée à la langue japonaise par ce vieil homme toujours amoureux, et à l'attention portée à cet étranger qui s'obstine à bien parler la langue. Quelque chose comme une recherche permanente d'empathie envers ce qui nous est si loin, si proche.

Touché !

Si chez Kormakur le drame historique est comme le lapin blotti tout au fond de son terrier, c'est plutôt l'intime, à l'inverse, qui se cache dans DOSSIER 137, le dernier film de Dominik Moll. Le cinéaste belge signe là un véritable film-dossier sur un sujet qui fâche: les violences policières en marge des manifestations des gilets jaunes.

En prenant carrément une enquête officielle de l'IGPN sous le bras, Moll s'avance comme son inspectrice principale, Léa Drucker, avec des airs de parfaite neutralité très professionnelle sur la figure. Ses convictions intimes, sa conscience, sa morale, il faudra voir cela plus tard: enquêtons.

Le dossier 137 a beau s'avérer un véritable dossier à charge contre la police (ici, deux tirs de LBD en pleine tête à 15 mètres de distance sans qu'il y ait menace, une fracture de la boite crânienne, un petit coup de latte en passant et aucune assistance demandée; une sorte de cas d'école), on trouve que la fliquette met longtemps avant de prendre en compte l'évidence.

Et pourtant lorsqu'elle le fait, pas si lentement d'ailleurs, c'est tout le système qui se referme sur elle pour lui faire comprendre qu'on ne dérange pas l'ordre policier comme on veut. Ces collègues s'offusquent qu'on s'en prenne ainsi à ces "héros" qui n'en peuvent plus, les témoins s'offusquent qu'on puisse leur faire croire qu'un témoignage ou une plainte puisse aboutir, sans même croire que cela ne leur retombe dessus. Quant à la hiérarchie, n'en parlons même pas.

Alors que reste-t-il à la commissaire Bertrand après qu'on lui ai bien dit, et redit, au feutre rouge surligné quatre fois, que le système était pourri d'un côté, que la police était irréprochable de l'autre ? La consolation d'un grand fils qui s'inquiète pour elle, et le réconfort d'un petit chat ramassé perdu derrière une grille de parking.

C'est Souchon qui chantait ça: "c'est déjà ça, c'est déjà ça..." Après, police partout, justice où vous savez. On ne sait pas trop si Dominik Moll a changé notre point de vue sur quoi que ce soit mais, c'est une habitude chez lui, il signe un film honnête.

Et un film estonien, ça vous dit ? Arte Kino a le chic de nous sortir des métrages improbables, et parfois complètement oubliés, au gré de la restauration de certaines oeuvres faites par des instituts ou des cinémathèques partout en Europe. JEUX D'ENFANTS d'Arvo Iho et Leida Laius date de 1985 et nous projette dans le quotidien d'un orphelinat.

Des gamins de tous âges, et quelques uns à l'orée de la majorité y trainent leurs ennuis, leurs sentiments d'injustice autant qu'une insondable tristesse. Vu le cadre de vie, peu reluisant, on se dit qu'on part d'emblée vers un film à la Alan Clarck (genre SCUM, ce trauma, sur les instituts pour mineurs "fermés") même si le début laisse présager le pire: Mari s'échappe pour retrouver son père, alcoolo lamentable, se retrouve à la rue puis en prison après avoir échappé à une agression.

De retour dans cet orphelinat, JEUX D'ENFANTS tournera plus autour des amours de cette jeune femme, romantique mais pas dupe, tiraillée entre un gaillard assez rassurant et un petit voyou tout excité mais aux intentions touchantes. Certes, il y a quelques séquences cruelles lorsqu'une camarade lit à voix haute son journal intime, ou lorsqu'on enferme une pauvre gamine dans le sèche-linge pour lui faire avouer un vol, mais dans un cadre aussi délabré, peu propice aux grands sentiments, le film trouve une autre note, touchante, en faisant de la si fragile Mari une sorte de résistante, qui possède maintenant toutes les armes pour voler de ses propres, et savoir ne plus s'appuyer sur personne d'autre qu'elle-même.

Le film a beau avoir quelques côtés brouillon (des prises de son assez étranges parfois, par exemple), il finit par presque en être joyeux, se contentant des quelques rayons de soleil qui percent dans toute cette laideur.

Notices en vrac (XI) MOI TONYA, RUNNING MAN, MAYDAY

 

L'histoire est assez célèbre pour être tenté d'en faire en film, voici le destin lamentable de Tonya Harding, cette patineuse sur glace que de bons "amis" à elle ont voulu aider en brisant le genou de sa plus redoutable adversaire. Dans le détail, cette affaire est si grotesque que MOI, TONYA a parfois des allures de mauvaise blague signée Coen brothers: petit copain très amoureux mais pas très futefute (Sebastian Stan, déjà très bon), bande d'amis peu recommandables, coach un peu timide et surtout, surtout, une mère horrible dont la vie ratée et la méchanceté crasse se cache à peine derrière la fumée de ses cigarillos qui puent et d'impressionnantes lunettes à double foyer (la géniale Allison Janney, grande actrice de second plan ici absolument terrifiante).

Cela pourrait être aussi, bien sûr, une fable supplémentaire sur la course au succès à tout prix, une anti-success story de plus autour de l'infantilisme décourageant de ces Américains qui, lorsqu'ils ne pensent pas qu'à l'argent, rêvent au moins de gloire.

Le style de filmage et de montage de Craig Gillepsie lorgne beaucoup sur le style GOOD FELLAS, avec des protagonistes qui, par exemple, parlent à la caméra durant les scènes de procès, ou lorsque l'on suit à la steadycam le nervis bas du front chargé de péter une jambe dans les entrailles du gymnase.

On ne dira jamais assez, par ailleurs, combien les tics et les tocs des Coen, de Scorsese ou de Tarantino ont trop infusé dans le cinéma américain ces dernières décennies.

Le film a déjà presque 10 ans, et les particularités communes au récent MARTY SUPREME du frangin Safdie sautent aux yeux à maintes reprises. Il vaut surtout pour l'abattage déjà impressionnant de Margot "Barbie" Robbie, excellente dans la hargne comme dans sa grâce de patineuse, et pour la description en creux d'un sport qui ne veut absolument pas à son sommet de ce genre de pauvresse "white trash" qui laisse du rouge à lèvres sur ses mégots.

On se souvient alors de la pauvre Surya Bonaly à qui les jurys du monde du patinage ont fait payer la couleur de peau. Derrière la beauté, la laideur d'un triste milieu. Le film est pêchu, et traversé tout du long par une ironie assassine qui fait plaisir.

RUNNING MAN de ce petit malin d'Edgar Wright reboote, reprend, slampe le vieux machin avec Schwarzenegger lui-même inspiré d'un roman du King (Stephen), qui ressemblait beaucoup à une nouvelle quasi contemporaine de Robert Sheckley qu'adapta Yves Boisset pour LE PRIX DU DANGER. Vous suivez ?

Vous connaissez l'histoire: un pov' père de famille fauché comme les blés décide de s'inscrire à un jeu télé en temps réel où il doit survivre le plus longtemps possible à 5 tueurs lancés à ses trousses, ainsi qu'au bon peuple qu'on gratifie lorsqu'il cafte. Nous sommes dans une société futuriste, bien sûr.

L'excellent Glen Powell endosse sans problème sa défroque d'action-man mal embouché, Josh Brolin incarne le méchant PDG tout en dents blanches et Colman Domingo a l'air de s'éclater en présentateur sans morale (sans arriver à la cheville non plus du numéro de Piccoli dans le Boisset, mais c'est autre chose).

Grand public sous hypnose, règles truquées, police achetée par la même société qui produit le show, alter-mondialistes gauchistes qui oeuvrent dans l'ombre pour désaxer l'infernale mécanique du Grand Capital pourrissant... Edgar Wright y va à fond pour faire comprendre qu'il est au-dessus de la moyenne dans l'exercice, en faisant presque croire que ses deux idoles, ce sont le Che et Bansky. 

Mais sans doute faut-il que quelqu'un se dévoue pour lui avouer ceci: des cinéastes doués qui enfilent les grandes scènes d'action, les bonnes blagues, le gadgets ingénieux et les grosses explosions, à Hollywood et sur les plateformes, il y en a plein.

Au suivant.

Ben tiens, justement, MAYDAY de Daley & Goldstein (kiça ?)... Sur la plateforme Apple qui décidément ne produit pas grand chose de bon côté films, on a demandé à deux réalisateurs de série de mettre en boîte la rencontre buddy-movie entre Ryan Reynolds et Kenneth Brannagh. Nous sommes à l'aube de la perestroïka, et un pilote d'avion furtif américain se fait péter au-dessus de la Sibérie. Il est recueilli par une sorte d'ermite, ancien du KGB, qui rêve d'Amérique et possède la VHS de.. TOP GUN.

Entre ce beau gosse rigolo de Reynolds et le vieux Brannagh qui sait bien faire l'accent russe (65 ans aux fraises, merci aux effets numériques pour les bastons et les cascades), la mayonnaise finit par prendre, tant bien que mal, même si on a affaire ici à un film d'action écrit sur un coin de bout de PQ et filmé selon le cahier des charges habituel de la chaîne: comme une série Apple, quoi.

Des poncifs, des clichés, des dialogues alertes qui peuvent de temps en temps arracher un sourire, un méchant qui fait à peine peur et des situations qui auraient mieux convenu à un jeu vidéo (faire atterrir un avion de tourisme sur un porte-avion, s'enfuir de la Place Rouge à bord d' un porte-missile atomique). Quand le film s'arrête sur une ultime blagounette, et que Kenneth savoure enfin ce BigMac tant rêvé, on se dit qu'on a déjà vu bien pire, et que c'est justement ça le problème.

Notices en vrac (X) SMASHING MACHINE, HONEY DON'T & BACK TO THE FAMILY

 

Bennie et Josh se sont séparés, Josh est parti faire un biopic tout excité sur un pongiste américain dont personne ne suspectait l'existence, Bennie a lui choisi de retracer l'histoire de Mark Kerr, une des toutes premières vedettes de ce qui s'appellera plus tard la MMA. Coups de pied, coups de coude, de genoux, manchettes et clés de bras, plaquages au sol et retournés à vous éparpiller les vertèbres, nous voici à l'aube de l'apogée d'un des sports de combat phare du XXI° siècle.

Pour peu que le phénomène sportif vous indiffère, voire vous exaspère, comme moi, reste quand même la force d'un spectacle qui envoie du lourd, c'est le cas de le dire. Pour Bennie Safdie, c'est du nanan puisqu'il s'offre ici les services de Dwayne "The Rock" Johnson, ancienne star du catch et figure rigolote des action-movies d'aujourd'hui, qui a du retrouver pas mal des frissons, des contraintes et des déperditions de son ancienne discipline.

Pourquoi avoir réalisé ce film par contre, si ce n'est pour offrir l'occasion à sa star de se faire reconnaitre comme un véritable acteur (et c'est vrai qu'il est très bon, et même souvent émouvant), ça c'est un mystère. Mark Kerr a connu l'apogée dans son sport comme le grand plongeon dans l'océan des opiacés et des anti-douleurs, presque atteint le point de rupture psy, manqué se séparer de sa femme mille fois, mais enfin comment faut-il le dire... on s'en fout !

Hormis la prestation de The Rock, il faut aussi reconnaitre à Emily Blunt un certain talent à incarner cette bimbo un peu bling-bling folle amoureuse, malgré tout, de son Conan le Barbare à elle. Comme dans le film de son frangin, MARTY SUPREME, et même s'il file à un rythme moins cocaïné, SMASHING MACHINE a les mêmes qualités et les mêmes défauts: de l'énergie à revendre et un usage immodéré d'une bande son pop and rock qui vire souvent au clip vidéo. 

Mais enfin, la scène de ménage filmée au rythme du magnifique JUNGLELAND de Springsteen, ça remue quand même les tripes.

Une paire de frérots qui s'est séparée, mais pas fâchée, eux, puisqu'ils vont se retrouver sous peu, se sont les Coen. Il serait temps qu'ils se retrouvent, parce que le petit Ethan s'égare un brin. Après son sympathique DRIVE-AWAY DOLLS, polar baladeur avec deux héroïnes gay égarés dans la jungle des psychopathes, beaufs, crétins et autres fumiers typiquement coeniens, voici HONEY DON'T, toujours avec la pétaradante Margaret Qualley, toujours aussi bombesque, toujours aussi géniale, toujours aussi lesbienne que dans le précédent.

On se réservera le droit d'analyser plus tard la focalisation un peu peeping Tom d'Ethan pour les amours lesbiens ainsi que sa fixette sur la belle Margaret. Ici, elle est détective privée dans un bled tout moisi de Californie du Sud. 

Il y a un accident de voiture douteux, un pasteur charismatique qui se sert de Jésus pour mettre toute la gente féminine du coin dans son pieu (Chris Evans, qui a un peu de mal à tâcher son image de gendre idéal à la verveine citronnée), une fliquette libérée, un flic marrant qui insiste sans espoir pour inviter Honey à prendre un pot, des hommes de main bas du front et un scénario qui s'éparpille dans tous les coins sans se préoccuper de savoir où sont partis les morceaux, Ethan Coen le premier.

Il manque quelque chose à Ethan, mais là inutile de se creuser la tête bien longtemps pour savoir quoi: c'est la noirceur et l'esprit de sérieux de son frère.

Et où était donc passé Sharunas Bartas, ce roi déchu du feel-no-good-movie et ex (petite) égérie du cinéma d'auteur européen ? Le lituanien est apparemment passé au travers d'accusations de harcèlement sexuel sur ses tournages, aussi mon dernier souvenir de lui, en salles, était le très beau (mais très noir) FROST sur la guerre au Donbass.

Ce joyeux drille a du manger sa casquette depuis, fini les coprod européennes et retour au pays: BACK TO THE FAMILY, sorti en 2025, raconte le retour au village d'une jeune femme partie loin. Et on comprend vite pourquoi: mamy agonise dans sa chambre, maman devenue obèse se saoule du matin au soir, son beau-père qui ne suce pas que de la glace non plus, se verrait bien refaire un tour dans le lit "de sa petite fille chérie" et lorsqu'elle va faire un tour au village, c'est pour se retrouver en compagnie de drôles de tête, aux intentions litigieuses.

Absolument pas recommandé par le ministère du tourisme lituanien, ce calme cauchemar qui s'achève sur un repas d'obsèques où beau-papa et maman ne sont pas les plus atteints. fascine quand même par son insistance à filmer la misère sans rien en cacher, laissant apparaitre quelques beautés derrière ce rideau de laideur. On pense un peu à Pedro Costa, aussi, ce qui est un compliment. Bartas a tout de même un talent incroyable pour dénicher des trognes pas possibles.

Il est, toujours, un cinéaste à visiter de temps en temps.

Notices en vrac (IX) GANGS OF TAIWAN, LES RACINES DU MONDE & USH-A-BYE BABY

 Avec son titre de méchant film de baston à se bouffer des mandales non-stop, GANGS OF TAIWAN est pourtant beaucoup plus que cela. Ce n'est pas du tout ça d'ailleurs, car les séquences de castagne sont ici assez furtives, remplacées pour le coup par une ambiance concrète de menace physique permanente et de coups fourrés qui peuvent venir de n'importe où. Nous sommes à Taipei en 2019, et la population suit, inquiète, les manifestations violentes qui ont lieu chez leurs voisins à Hong Kong, rétrocédé il y a peu à la Chine.

GANGS OF TAIWAN est un film sur une tempête qui arrive, sur une menace qui s'annonce: celle de la main-mise du géant voisin sur Taïwan. Zhong-Han travaille dans le resto de ses parents, un vieux truc où on mange bien mais se trouve déjà menacé par l'appétit féroce d'un nouveau propriétaire. A côté de ça, le jeune homme tombe amoureux et cherche à se défaire du gang de racketteur dans lequel il joue le gros bras mutique (il est muet).

Drôle de film, qui accapare toute notre attention par la singularité de son héros particulièrement incernable d'abord (le beau gosse Wei-Chen Liu), mais plus encore par le parallèle qu'on est obligé de faire entre le présent de Hong Kong et ce que Taïwan va devenir, si ce que chacun redoute arrive. Via ses hommes d'affaire cravatés, courtois et sans scrupules qui rôdent déjà pour faire de cette vieille cité un nouveau Taïwan, et par la violence mafieuse qui d'un coup se décomplexe pour gagner en perversité.

Toujours à l'autre bout du monde mais en des contrées autrement plus exotiques, LES RACINES DU MONDE de Byambasuren Davaa est un film qui nous vient de Mongolie, sur les pas d'une famille d'éleveurs nomades qui vivent là depuis des générations. Comme toutes les familles des steppes, ils vont devoir faire face à des entreprises minières qui veulent les expulser pour retourner leurs terres.

Pays rarement filmé, la Mongolie donne dans ce très joli film ce qu'elle a de meilleur à offrir: des paysages à couper le souffle, des trognes burinées par le soleil, de splendides sourires avec des dents blanches jusque là ou l'image d'une gamine hilare qui court après un troupeau de chèvres en agitant son bâton. 

Dommage que la réalisatrice ne sache pas faire autre chose qu'un film-dossier (contre les géants de l'extraction de minerais qui défigurent et polluent à tour de bras et en toute impunité) sur fond de mélodrame familial. Garder ce motif en toile de fond aurait été tout aussi percutant si le film s'était plus attardé sur les petits détails qui accrochent, comme l'improbable bagnole customisée avec talent par le père de famille et qui, même pétée de partout continue à rouler comme en 40.  

En 1990 sortait un petit film irlandais, HUSH-A-BYE BABY, qu'on a pris soin tout récemment de restaurer avec soin. Je n'ai pas vraiment compris pourquoi, si ce n'est que, peut-être, le film de Margo Harkin a proposé là une sorte de combo 2 en 1 des grandes plaies à jamais non cicatrisées de la Verte Erin: le droit à l'avortement et le conflit nord-irlandais (on parlera des méfaits de l'Eglise catholique plus tard).

On y suit donc l'adorable Goretti, 15 ans, d'abord avec ses copines qui s'éclatent sur Cyndi Lauper et mâchent du chewing-gum en regardant les garçons, qui les regardent. Il y a la rousse délurée, la bonne copine en excès de poids, la romantique mystérieuse (Sinead O'Connor en personne, un des grands amours platoniques de ma vie, mazette je vais pleurer) et Goretti donc. Qui s'amourache d'un gaillard absolument charmant, moins con que la moyenne dirons-nous et vlan ! Polichinelle dans le tiroir et le pauvre Ciaran qui se fait serrer par ces enflures d'angliches au gré d'une rafle.

Le film n'est pas forcément gai, pas forcément triste non plus mais, plombé par une sorte de fatalisme insidieux, ne cherche même pas à prendre parti ni à sortir son héroïne du cul-de-sac. Entre cauchemar du ventre qui gonfle et celui où apparait la statue de la Vierge Marie, on voit bien que Margo Harkin, si jamais son coeur balançait d'un côté ou de l'autre, n'a pas voulu y aller trop franco.

Reste que ce (très) petit film est passionnant pour ce qu'il montre de l'enseignement et de l'utilisation de l'Irlandais lors de cette période: interdit à l'école et en espace pénitentiaire, mais employé d'une manière cynique par un soldat anglais lors d'un contrôle de routine.

Et lors d'une scène de baptême, c'est Sinead qui chante. Bon sang, mais qu'est-ce-qu'elle pouvait envoyer...